« 2019年3月 | トップページ | 2019年5月 »

2019年4月

2019年4月23日 (火)

追想の「水の冠」。

 

34cd43be145d4429939b59af289007a0

平成元年にリリースされた『水の冠』というアルバム、

それから30年が経ち平成が終わろうとしている。。。うーん、

何だか感無量ですネ。何故かというとやはり、

このアルバムのソングライトは今も割と古びていない。。。

って自画自賛してますが、良い悪い、よりも今に至る職業訓練というか、

仕事の基本みたいなものを学んだアルバムだと思うからなのです。

F13deeb6f770437d99630d7614eb00ee つまり、曲の発想、曲想というのは比較的簡単にやって来ても、

それを1曲に仕上げるのは忍耐以外の何物でも無く、

アルバムの発売日が既に決まっている状況の中で、

すいません書けませんでした、ってのは許されない。。。

ということを若いなりにシリアスに受け止めて

とにかく必死で書き上げた、ということが結果的に、

とりあえずあきらめないで取り組む!みたいなメンタルを

(意図せずして)作ってくれた、というのでしょうか。

そんな訓練が出来たことは幸せだったと思うのです、

当時はまっったくそう思って無かったですが(笑)。。。

 

大資本の会社、大手のレーベルからデビューしたということは

非常に恵まれている面と、難しい面があります。

何故そんな職業訓練が出来たかといえば発売日が決定しているからで、

それに向かって人が、お金が動いている。当時そんな自覚はありませんでしたが、

自分と自分の音楽は商品であって、個人の好き嫌い、出来る出来ないという範疇を

超えてしまう。それに適応出来るかどうかは音楽とはまた別の、

承認欲求とか自我とかアイデンティティーとか、大きなテーマに関わってくる問題だからです。



しかし当時はレコード会社にも、人にも街にも非常な活気と自由さがあり、9f5dee4f198343f1a196f2aa2c1df512

面白いもの、新しいもの、良いものを作るんだという意識が

浸透していたので、触発されたり刺激されたりすることも凄く多かったです。

まだアナログの卓、アナログ・テープで録音をしていた時代、

1988年、1989年はアナログ24チャンネルの、現役最後の時代でもありました。

1990年にはデジタル48チャンネルに移行してゆく、そのギリギリの過渡期に

最高のミュージシャン、最良のスタジオで録音されたサウンドと歌、

これはもう、ある意味仕方の無いこと、そして淋しいことでもあるのですが

ニ度とは再現現出来ない、1989年という時代が残してくれた音、なのです。

図らずも89年当時、こんなことを書いていますーー

 


「歌も音楽も、誰かを愛する気持ちも、移り変わってゆくいろいろな想いも、

長い時間の流れからすればほんの一瞬の水の冠のようなものだけれど、

それを消してしまう前に、忘れてしまう前に形にのこしておきたい。

誰かに伝えて、何かを感じて欲しい。それが、わたしにとって音楽を

作るという事なんだ、と、このアルバムを作って改めて、と言うより

初めて言葉にしてわかりました。」


6246657a25a14a1c839140cbabe5cbb9

 

今とあんまし変わってない、というか同じようなことを言っておりますネ(笑)。

この音はもう2度とない。。。という限り無い淋しさとともに、

ん〜でも仕様が無い、時代が変わっちゃったんだから、

この頃とは違ったかたちで前に進むのだ!と、

ミョーに前向きな気持ちを同時に感じる脳天気さはやはり、

バブル世代ならでは。。。なのでしょうか(苦笑)。

昨年のようなシンポジウム&ライブを、Twitter上で、インターネット上で

やったらどうかナ?!などと今、考えております。

その時にはまたこのアルバムについて、時代について、

共に語っていただけたら最高にシアワセです♪!

 

2019年4月17日 (水)

『港が見える丘』で逢いましょう。

Hiranoaiko1

 

平野愛子さんのあまりにも有名なこの曲をはじめて知ったのは

大瀧詠一さんがインタビューと、ラジオ番組『日本ポップス伝』で

紹介されていたのがきっかけでした。2010年だったと思います。

儚げでモダンで。。。なんて素敵な曲なんだろうと感動し、

プロデューサー&アレンジャーの山本隆二さんにアレンジと、

ピアノを御願いしてライブで歌ったのですが、

何とも難しくて歌いきれなかった。。。という想い出があります。

いま歌ってみると凄く胸に入ってくるというか、

9年前は所謂「昭和歌謡の名曲!」という認識だったのが、まるで

歌詞の中の女性になってしまったような切なさを感じるから不思議です。

私もちょっとは成長した。。。ということでしょうか(笑)。

 

この曲の音楽的なポイントは(私にとっては)3つあって、

まずオリジナルである平野愛子バージョンのE♭(イーフラット)という調性ですね。

非常に高いのです。最初Cのキーでやってみて、なんか違うナと思い

あらためてオリジナルを聴き直したらE♭でした(高っ)。最高音もE♭なので

音域が広く、それを9年前の私は難しいと感じたのでしょう。

 

これは意図的にそうなっていて、このキーだからこそ地声と裏声を

自在に行ったり来たり出来るのですね。その声の切り替えの面白さ、ユニークさが

まずひとつ。。。

 

そして

♪色あせた桜ただひとつ♪

の色あせ

『た』

の音はB♮(ビーナチュラル)です。

これが私的にはこの曲の最重要ポイント!!

普通に考えたら

色あせ

『た』

の音はB♭(ビーフラット)になるのですが、それをあえて半音上げることで

桜の花びらの散るような儚さ、を醸し出すとともに、

ちょっとジャジーで、オフビートな「外し」の感覚が込められています。

 

私にはそのようにしか聴こえないのですが、いろいろなカバー・バージョンを聴いても

ここは半音上げずに普通に歌われている場合が多い。。。

いやここはBのナチュラルでなきゃ許せません~!(←私見ですが。。。)

 

そしてジャジー、という言葉が出たように、

この曲は4ビートのリズムをもっています。

バラードでは無いのですね。これも普通に考えたら

「バラード然」!としたドラマチックな解釈をしてしまいがちですが、

4ビートのリズムはドラマチックというよりはリズミック、

モダンな軽さと、躍動感を含んでいます。

Kikuchiakiko1

平野愛子の歌唱は同じ昭和22年に発売された名曲『星の流れに』の

菊池章子を思わせるところがあり、

直接的にか間接的にか、アメリカのジャズ・シンガーの影響を受けていると思います。

ちょっと蓮っ葉で艶っぽい、清純、純情というのとは違う感覚、

それがなんとも格好良いのですね。いや、格好良いといっては

語弊があります。だってこの2曲のテーマには「戦争」というものが

抗いがたい影を落としている。

 

「流行歌」が時代とともにある以上、戦後わずか2年で歌われた歌だということの意味を考えずにはいられないのです。

バラードでもなく演歌でももちろん無い、日本風であって和風では無い、歌謡曲から逸脱したジャズのフィーリング。。。

矛盾しています。

そこに留意しないと作曲家の意図からズレていってしまう、

非常に微妙な難しさをもった曲であり(正直、誰がどうカバーしても難しいでしょう。歌っておいて

ムセキニンなのですが。。。)

同時に作詞・作曲の東辰三先生の、非凡な洋楽的なセンス、を感じるところでもあるのです。

 

非凡な、洋楽的なセンス。その言葉から浮かんでくるのは。。。

大瀧さんの音楽!ですね。

だからこの曲を愛し、『日本ポップス伝』やインタビューで何度も紹介されたのだと思います。

こんな勝手な解釈をして怒られるんじゃないか。。。と思いながらも、

これからもどんどん勝手に解釈してゆく。。。(笑)でしょう。

『日本ポップス伝』は何よりも音楽を「考える」ことを教えてくれました。

Img_3680

昭和22年、まだ生まれていません。

戦後ちょうど20年経って生まれたバブル世代&均等法世代&新人類ですが、

昭和生まれ、もいよいよ(昭和当時の)明治生まれと同じポジションに。。。

しかし私はもう元号は使わないつもりです~。

 

 

 

 

2019年4月11日 (木)

西暦3010年のバッハ。

J・S・バッハ×グレン・グールド

『リトル・バッハ・ブック』
『ゴールドベルク変奏曲』(新録)

J・S・Bach×Glenn Gould

『THE LITTLE BACH BOOK』

『GOLDBERG VARIATIONS』(’81)

Gouldcasette

グールドの弾くバッハはまるで「未来から聴こえてくる音」みたいだ。バッハの最晩年の傑作を'81年新たな解釈で再録音した、なんてデータも、そこから既に30年以上が経過しているなんて過去→現在の概念もすべて吹っ飛んでしまう。


これは3010年から聴こえてくる音なんじゃないかと思う。バッハは書き遺したスコアによって、グールドは「録音」という記録の技術によってかるがると時間を超えてしまった。


20世紀に生まれた録音技術が50年をかけて爛熟期を迎え、望みうる最高の達成をみせた1980年代初頭に向かってグールドが50年の人生を生きたこと、バッハがこの世で命を全うしてから200年後にグールドという表現者を得たことは偶然と思えない。100年とか200年なんてチョロい、1000年、2000年の単位でなきゃ彼らが視ていたもの、視ようとしていたものには届かないという気がする。


グールドのバッハ表現が真にすぐれているのはやはりバッハの音楽のもつ

数理性、順理性への理解と洞察、探求、それを完全に身体化していたこと、に尽きる気がする。

 

バッハの音楽は神の数式だ、限りがあるからこそ普遍である生命というもの、それが生きるための方舟であり揺籃でもある時間、そして自然の法則を解き明かすための。

 

 

音楽家と音楽家の時間を超えた出逢い。それはすべての人類にとってのギフトになった。


グールドはバッハの数式を解き明かしてみせた、この世での自分の生命と、生きた時間を引き換えにして。そんなふうに聴こえてならない。


最後のアリアでいつも私はとめどなく泣いてしまう。哀しいからではなく音楽=生命がはなつ光、それが「ここに在ること」にただ、打たれるからだ。

Yousufkarshglenngould19571571x1960

« 2019年3月 | トップページ | 2019年5月 »

最近のトラックバック

2020年10月
        1 2 3
4 5 6 7 8 9 10
11 12 13 14 15 16 17
18 19 20 21 22 23 24
25 26 27 28 29 30 31
無料ブログはココログ